Eduardo Paz Barroso

Exhibition Nasoni Gallery. Porto (Portugal)

December 1995

 Remi Bourquin is a French painter (Paris 1961) who exhibited for the first time in Portugal, after having started his studies in 1979 at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. Shortly after entering the School, he began to participate in exhibitions and from 1993 his paintings appeared in the Parisian gallery Gerald Piltzer. During his career, the scholarship he obtained from the “Casa Velasquez” in Madrid (1986) also deserves to be mentioned.

Bourquin is a painter of somewhat visionary images, who has carefully constructed his work through a set of statements, series that evoke a very personalized attitude towards the exercise and the taste for painting. He is an artist who is interested in the representation of a world that can only be that of his personal visions of a strongly poetic, expectant and analytical matrix. His paintings establish a fictitious relationship between lived reality and imagined reality, through an intimate path where feelings seem to be guarded. These are works in which the landscapes are suspended in introspection, given over to imperative luminosities, fragments of everyday life that survive the fortuitous classification of images.

Between 1988 and 1993, the painter produced four series which can be grouped together as follows: “Pavilions and gardens”, “Cages and zoos”, “Lighthouses and beaches”, “Objects and memories”. Although they represent something concrete, one could almost say that they are palpable, these paintings allow an extreme abstraction, in almost all there is a void, an immensity beyond painting, a relation to someone. one or something that is missing. Its poetic dimension comes from a reorganization of the visible, from a silence around things, from an apparently pure figuration. Careless observation shows that none of these paintings are as simple as it sounds. Precisely, there is nothing here immediately. Those who watch are invited to linger, perhaps to guess, because behind what is immediately recognizable, there is a mystery, the domain of the most absolute imagination, with all its power of seduction. The recording of this painting is based on a specific vocation, to overcome a kind of initial "perfectionism", put at the service of a project which questions itself, consolidates landscapes, references, elements to which each painting gives autonomy, significant specificity, an idea ... In front of some screens, it may seem that the viewer is facing a clear dream, others, in front of a frame, or even the diffuse subjectivity of what surrounds us and impresses us. The possibility of moving (and decoding) in the physical space of the canvas, a house, an object, a sort of surrounding city (?) And ourselves, place this work on a demanding interpellative level. It is also a return. From a desire to return to pretexts and suggestions, evolution in a mental field and elective affinities: painting as a “false” memory, a heritage composed with the greatest subtleties ...

"My only pleasure is to see the canvas, and to feel that my visual impression, global or partial, approaches more and more my visual impression in front of reality", and to this affirmation, Bourquin adds: "This realism doesn is not hyperrealism, because the space thus created comes from behind the screen ". Despite this warning, it is not possible to exclude (as has already been noted by some French critics) the ascendancy exercised over the painter from certain canvases by Edward Hopper. One of his previous photos fits perfectly with what has been said above. Through a large window, in front of an empty and anonymous desk, four concentrated and distant figures are seated on a bench in what appears to be an atrium, or a waiting room. Brown and gray tones envelop the entire surface in a curious atmosphere. This French painter, however, does not share the social vision evident in Hopper's famous paintings. One could say that the “social criticism” aspect is weak, but on the other hand the loneliness is dense and cannot be seen outside a context, which is, by definition, also sociological.

The creation of this serial work, which can be considered as the current exhibition at the Nasoni Gallery, already constituting a new set of paintings, is the result of an ordered universe, where the reflection on painting is treated through the expressiveness, pictorial technique, but also the elaboration of “collections”. The houses, the gardens, the animals in their zoo cages, the lighthouses, the beaches, the leafy objects no longer needed, and now the boats, the blue shards of an endless sky, it's all part of a universe where the experience of reality has something tragic about it. In each of these “collections” there is a “groove” of nostalgia. It can be the soft and bright colors, the beach houses closed in winter, a sad dog at the door of a greenhouse, fishermen's huts by a river.

For Rémi Bourquin, the work of painting is the conquest of another dimension. If, on the one hand, it is true that in this way the artist is part of a tradition, on the other hand he knows "that perfection resembles death". In a way, when he assumes the fullness of his worldview, he is aware that he represents it with the most impersonal imperfection of someone looking for a reason. For this reason, the reality that attracts you will never be a pretty "setting".

In one of the series already mentioned, "Cages and Zoos", the painter is busy representing the enclosed space, the enclosed animals are elements of a theater imbued with an overhead light. A series of questions, glances, a delicate range of brown, the opposition and the difference between "human" and "animal", make this painting a discreet and precise pleasure, a skilful confrontation.

In their own organization, each set of screens establishes chronological continuities. For example, the series of animals appears after the creation of paintings where we can see gardens with a tropical atmosphere, dense vegetation, wide horizons for the moments provided. The way of constructing the stages evolves on this path. This exhibition shares a mixture of objectivity and realism with the whole of this work. Rémi Bourquin considers that his painting seems to reflect calm, but in fact it is “contained violence” which helps to move beautiful objects, to move ink stains with rigor.

With the series referring to lighthouses, the idea of ​​desolation is taken up, along with the poetic and symbolic enhancement of a well-defined architecture, in its relationship to the sea and the need for orientation. Articulating the drift and the reference, the horizon with the proximity of the terrain, this phase paves the way for some of the images presented here. For the radicalization of colour, for the expectation of the landscape which perhaps leaves a feeling of adventure and a reunion of water, sky, vegetation.

In an appreciation of these images, someone noticed that the sea constitutes "the largest mirror of the sky and becomes an inverted sky, and this water, an element always in movement, must be tried to represent it without giving a dead image" . In subsequent images, it is the sky that is projected, animated by an absolute desire to absorb all the light. Establishing contrasts, using as tools the descriptive precision and the treatment of a graphic, this work boasts a coherence, recreates the material of the image.

In a brief glimpse through the sequence of lighthouses, a taste develops for the contrast between the well-cut figure and the background, a wall corner, details of access to the building, the solidity of the image, shades of green between the grainy sand, angles of view, sometimes flat where a word: “west” takes on importance. At another point in this work, the large formats showcase objects from a personal collection, apparently uninteresting. As part of Rémi Bourquin's plastic device, the objects, which can be an openwork brass bowl, or "trinkets" which refer to childhood, integrate the dimension of lived experience, the personal meaning is found, once again. , as a poetic testimony. This "kitsch trinket", as Philippe Carteron called it in a publication on the artist, is one of the most stimulating aspects of this work, in an evocation / displacement of both the ironic and reflexive theme and subject of the painting. . But it is also the poetic intrigue that serves as a background, support and conjecture for Rémi Bourquin, which is expressed in this recent exhibition. The combination of objects, with false postcards, with the pathetic cloister of animals, or houses carved out of the landscape, is part of the wisdom of this painting, of its evocative power.



Eduardo Paz Barroso

Exposição da Galeria Nasoni. Porto (Portugal)

Dezembro de 1995

 Rémi Bourquin é um pintor francês (Paris 1961) que expõe pela primeira vez em Portugal, após ter iniciado em 1979 os seus estudos na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Logo após a sua entrada na Escola, começa a participar em exposições e a partir de 1993 surgem os seus quadros na galeria parisiense Gerald Piltzer. No seu percurso merece ainda destaque a bolsa que obteve da "Casa Velasquez", de Madrid (1986).

 Bourquin é um pintor de imagens de certa forma visionárias, que tem construido meticulosamente a sua obra através de um conjunto de enunciados, séries que evocam uma atitude muito personalizada face ao exercício e ao gosto pela pintura. Trata-se de um artista que se interessa pela representação de um mundo que não pode ser outro senão o das suas visões pessoais de matriz fortemente poética, expectante e analítica. Os seus quadros estabelecem uma relação fictícia entre o real vivido e o real imaginado, através de um percurso íntimo onde parecem resguardar-se sentimentos. São obras onde se apresentam paisagens suspensas numa introspecção, entregues a luminosidades imperativas, fragmentos do quotidiano que sobrevivem à fortuita classificação das imagens.  

 Entre 1988 e 1993 o pintor realiza quatro séries que se podem agrupar do seguinte modo: "Pavilhões e Jardins", "As Jaulas e os Zoos", "Faróis e Praias", "Objectos e Recordações". Embora representem algo de concreto, quase poderíamos dizer de palpável, estas pinturas consentem uma abstracção extrema, em quase todas elas se intui um vazio, adivinha-se uma imensidão para lá do quadro, a relação com alguém ou alguma coisa que estão ausentes. A sua dimensão poética decorre assim de uma reorganização do visível, de um silêncio em torno das coisas, de uma figuração aparentemente pura. Uma observação minimamente atenta mostra que nenhuma destas pinturas é tão simples quanto possa parecer. Justamente, não há aqui nada de imediato. Quem olha é convidado a demorar-se, talvez a adivinhar, porque por detrás do que é imediatamente reconhecível, encontra-se um mistério, domínio do mais absoluto imaginário, com todo o seu poder de sedução. O registo desta pintura apoia- -se numa vocação específica, na ultrapassagem de uma espécie de "perfeccionismo" inicial, colocado ao serviço de um projecto que se questiona a si próprio, consolida paisagens, referências, elementos aos quais cada quadro confere uma autonomia, uma especificidade significante, uma ideia... Diante de algumas telas poderá parecer que o espectador se encontra perante um sonho nítido, de outras, perante um fotograma, ou ainda a difusa subjectividade daquilo que nos rodeia e impressiona. A possibilidade de deslocar (e descodificar) no espaço físico da tela, uma casa, um objecto, uma espécie de arredor de uma cidade(?) e de nós próprios, situa esta obra num plano exigente, interpelativo. Trata-se, também, de um regresso. De um desejo de retomar pretextos e sugestões, evolução num campo mental e de afinidades electivas: o quadro enquanto "falsa" lembrança, uma herança composta com a maior das subtilezas...

"O meu único prazer é o de ver a tela, e sentir que a minha impressão visual, global ou parcial, se aproxima cada vez mais da minha impressão visual face à realidade", e a esta afirmação, Bourquin acrescenta ainda: "Este realismo não é um hiperrealismo, porquanto o espaço assim criado vem de trás da tela". Apesar desta advertência não é de excluir (como já foi notado por alguma crítica francesa) o ascendente exercido sobre o pintor de alguns quadros de Edward Hopper. Um dos seus quadros anteriores adequa-se perfeitamente ao que atrás foi dito. Através de uma grande janela, diante de uma secretária vazia e anónima, quatro personagens compenetrados e distantes, estão sentados num banco corrido do que parece ser um átrio, ou uma sala de espera. Tonalidades castanhas e cinza envolvem toda a superficie numa atmosfera curiosa. Este pintor francês não comunga todavia da visão social patente em quadros célebres de Hopper. Poder-se-á dizer que o aspecto de "crítica social" está esbatido, mas por outro lado a solidão é densa e não pode ser vista fora de um contexto, que é, por definição, também sociológico.

A criação desta obra por séries, podendo considerar-se a actual exposição na Galeria Nasoni já como constitutiva de um novo conjunto de quadros, é fruto de um universo ordenado, onde a reflexão sobre a pintura se processa através da expressividade, da técnica pictórica, mas também da elaboração de "colecções". As casas, os jardins, os animais em suas jaulas de jardim zoológico, os faróis, as praias, objectos em folha que se tornaram inúteis, e agora, os barcos, os fragmentos azuis de um céu infinito, tudo isto faz parte de um universo onde a vivência do real possui algo de trágico. Em cada uma destas "colecções" permanece um sulco de nostalgia. Podem ser as cores suaves e luminosas, as casas de praia fechadas durante o inverno, um cão tristonho à porta de uma estufa, cabanas de pescadores na margem de um rio.

Para Rémi Bourquin o trabalho da pintura é a conquista de uma outra dimensão. Se, por um lado, é verdade que desse modo o artista se inscreve numa tradição, por outro ele sabe "que a perfeição se assemelha à morte". De certo modo, ao assumir a plenitude da sua visão do mundo, está consciente que a representa com a impessoalíssima imperfeição de alguém que busca uma razão. Por isso, a realidade que o atrai não será nunca um "décor" simpático.

Numa das séries já referenciadas, "as Jaulas e os Zoos", o pintor ocupa-se a representar o espaço fechado, os animais enclausurados são elementos de um teatro mergulhado numa luz zenital Uma série de perguntas, de olhares devolvidos, uma delicada gama de castanhos, a oposição e a diferença entre o "humano" e o "animal", fazem desta pintura um prazer discreto e preciso, uma hábil confrontação.

Na sua organização própria, cada conjunto de telas estabelece continuidades cronológicas. Por exemplo, a série dos animais aparece depois da realização de quadros onde se podem ver jardins com uma ambiência tropical, vegetação densa, horizontes amplos por instantes pressentidos. O modo de construir as cenas vai evoluindo ao longo deste percurso. A presente exposição partilha com o conjunto desta obra um misto de objectividade e realismo. Rémi Bourquin considera que a sua pintura parece reflectir a calma, mas de facto ela é "de uma violência contida" que ajuda a deslocar belos objectos, a movimentar com rigor manchas de tinta.

Com a série referente aos faróis é retomada a ideia da desolação, ao mesmo tempo que ocorre a valorização poética e simbólica de uma arquitectura bem determinada, na sua relacão com o mar e com a necessidade de orientacão. Articulando a deriva e a referência, o horizonte com a proximidade da terra, esta fase abre caminho a alguns dos quadros que aqui se apresentam. Pela radicalização da cor, pela expectativa da paisagem que deixa talvez a pairar um sentimento de aventura e um reencontro da água, do céu, da vegetação.

Numa apreciação destes quadros alguém notou que o mar constitui "o mais vasto espelho do céu e torna-se um céu invertido, e esta água, elemento sempre em movimento, é preciso tentar representá-la sem dar uma imagem morta." Em quadros posteriores é o céu que se projecta, animado por um desejo absoluto de absorver toda a luz. Estabelecendo contrastes, utilizando como instrumentos a precisão descritiva e o tratamento de um grafismo, este trabalho enaltece uma coerência, cria de novo a matéria da imagem.

Numa breve panorâmica pela sequência de faróis, desenvolve-se um gosto pelo contraste entre a figura bem recortada e o fundo, um recanto de um paredão, detalhes de acesso ao edificio, a solidez da imagem, tons de verde entre o granulado da areia, ângulos de visão, por vezes planos onde adquire importância uma palavra: "ouest". Num outro momento desta obra, grandes formatos deixam em evidência objectos de uma colecção pessoal, aparentemente desinteressante. Ao fazerem parte do dispositivo plástico de Rémi Bourquin, os objectos, que podem ser um bacia perfurada em latão, ou "bibelots" que remetem para a infância, incorporam a dimensão do vivido, o significado pessoal encontra-se, uma vez mais, como registo poético. Esta "quinquilharia kitsch", como a designou Philippe Carteron numa publicação sobre o artista, constitui um dos aspectos mais estimulantes desta obra, numa evocação/deslocação a um tempo irónica e reflexiva do tema e do sujeito da pintura. Mas é também a trama poética que serve de pano de fundo, de suporte e conjectura a Rémi Bourquin, que se exprime nesta recente exposição. A combinação dos objectos, com os fingidos bilhetes postais, com clausura patética dos animais, ou as casas recortadas na paisagem, faz parte da sabedoria desta pintura, do seu poder evocativo.